Se vuoi iniziare una conversazione interessante, chiedi ai tuoi amici: "Cos'è l'arte?", poi siediti e goditi la discussione. È una parola data per scontata, ma la maggior parte delle persone non si è mai chiesta come definire l'arte e cosa esattamente differenzi qualcosa dall'arte. Questo dibattito dura da millenni e ogni cultura ha una visione diversa.

La parola occidentale per "arte" deriva dal latino "ars" e dalla sua radice greca "technē", che significa "abilità" o "mestiere". Questo è anche lo stesso significato della parola araba per arte "ventaglio", del sanscrito "kālā" e del cinese "yi". E in effetti, per gran parte della storia, l'arte è stata prodotta da artigiani (lavoratori qualificati) che hanno imparato modelli tradizionali per esprimere bellezza e significato importanti per la propria cultura.

Ma ogni cultura aveva sensibilità e obiettivi molto diversi. I filosofi cinesi vedevano l'arte come un'espressione di armonia con l'ordine cosmico, una pratica coltivata come abilità morale o spirituale per supportare il Dao (modo di vivere).  La cultura indiana condivideva questa prospettiva cosmica, enfatizzando l'esperienza spirituale della realizzazione e del risveglio alle verità universali. La tradizione giapponese promuoveva il "wabi-sabi" (bellezza nell'imperfezione e nella transitorietà), il "ma" (spazio o intervalli nella composizione) e lo "shibui" (sottile eleganza). La cultura islamica enfatizzava l'infinito nel finito, usando la geometria per invocare la contemplazione spirituale. Infine, la cultura africana praticava l'arte come strumento funzionale di narrazione rituale e comunitaria.

L'arte era un modo per partecipare a qualcosa di più grande di sé, la voce unica dell'artista e l'interpretazione personale dello spettatore erano irrilevanti. Fu solo con i movimenti umanisti, a partire dal Rinascimento dal XIV al XVI secolo, che gli artisti iniziarono a essere riconosciuti come pensatori individuali degni di esprimere la propria voce o il proprio stile. E lentamente, nei secoli successivi, la cultura iniziò a tollerare, riconoscere (di solito postumo) e infine premiare l'espressione di sé. Finché, finalmente, nel XX secolo, la voce personale e l'originalità dell'artista divennero la misura più fondamentale dell'arte "di successo".

Ma dobbiamo ricordare che la nostra attuale visione dell'arte è solo una tendenza culturale temporanea che sarà superata da un'altra. Originalità ed espressione di sé stanno già mostrando segni di esaurimento grottesche e assurde in manifestazioni di egocentrismo.

Ironicamente, l'arte contemporanea crede di essersi liberata dalle tradizionali catene della bellezza estetica e dell'abilità, trasformandola in un puro esercizio mentale che celebra sempre più il suo opposto (ad esempio, la banana di Catalan è stata venduta per 6,2 milioni di dollari in tre "edizioni" separate, ma l'arte non è altro che semplici istruzioni scritte e un rotolo di nastro adesivo). Divertente, ma è arte o solo spettacolo? L'arte contemporanea si è relegata in un angolo di crescente irrilevanza, un'esclusività intenzionalmente creata da una classe benestante che ha un disperato bisogno di sentirsi culturalmente superiore per essere l'unica abbastanza sofisticata da "capire" l'arte. Per raggiungere questa liberazione, l'arte contemporanea ha (in generale) gettato via migliaia di anni di filosofia, spiritualità e bellezza, e si è fatta completamente beffe dell'abilità duramente acquisita.

L'arte sopravviverà a questo momento, e in effetti gli artisti non hanno mai smesso di creare (praticando continuamente, intenzionalmente o meno, in linea con le filosofie di ogni tradizione).  Ma se vogliamo coltivare un'arte dal valore senza tempo e incoraggiarne il massimo potenziale, dobbiamo cercare una visione dell'arte molto più profonda di quella che viene esaltata oggi. E per farlo, dobbiamo trovare una definizione ampia ma praticabile di arte. E poi dovremmo cercare di capire quali elementi rendono un'opera d'arte più importante di un'altra.

Quindi, cos'è l'arte nella sua forma più elementare?

L'arte è la creazione o la disposizione intenzionale di elementi che vanno oltre il suo scopo utilitaristico, che comunica intenzionalmente un'idea o un'emozione.

In sostanza, qualsiasi atto creativo umano potrebbe essere considerato "arte" se presentato nel giusto contesto, quindi è problematico definire l'arte in modo restrittivo perché le eccezioni infrangono sempre la regola, ad esempio quando un coltello passa dall'utilità all'arte? E in effetti l'arte non dovrebbe essere dominio esclusivo degli "artisti": la creazione è una pratica piacevole e gratificante che dovrebbe essere incoraggiata per tutti.

Ma se tutto è arte e tutti sono artisti, allora anche la parola perde ogni significato utile. Forse è più utile riconoscere che l'arte è nell'occhio di chi guarda, eppure ci sono alcune qualità che rendono un'opera d'arte abbastanza "importante" da meritare particolare attenzione e lode.

Quindi, senza essere troppo restrittivi ed elitari, come possiamo determinare quale arte curare e promuovere? Alcune categorie di base sono utili da considerare quando si valuta l'arte.  Considera una scala da 1 a 5 per ogni concetto qui sotto. Una buona opera d'arte non deve necessariamente ottenere un punteggio elevato in ogni categoria, ad esempio una persona potrebbe trovare un'opera poco innovativa ma con un alto valore narrativo. Tuttavia, con un numero sufficiente di persone, emergerà un consenso generale e un punteggio totale. Questi non sono giudizi di valore assoluto, in ultima analisi sarà la storia a decidere cosa ha una durata.

Attenzione — L'opera d'arte stessa catturerebbe e manterrebbe la vostra attenzione, indipendentemente dal contesto e dalla spiegazione (ad esempio, anche se fosse appoggiata a un cassonetto)?

Padronanza — L'opera d'arte mostra una padronanza di abilità acquisita attraverso la ricerca e la ripetizione (ad esempio, sarebbe difficile da riprodurre)?

Intenzione — L'opera d'arte mostra l'intento dell'artista (ad esempio, non solo casualità, ma pianificazione, ricerca e obiettivo evidenti).

Narratività — L'opera d'arte comunica chiaramente un concetto, una storia o un'emozione (ad esempio, l'arte può essere "compresa" o percepita a livello personale da tutti)?

Collaborazione — L'arte ti invita a partecipare a un dialogo tra te e l'artista/l'opera d'arte (ad esempio, accendendo la tua immaginazione per riempire i dettagli o fungendo da simbolo di una migliore comprensione di te stesso)?

Novità — L'arte ti sorprende, delizia o incuriosisce in qualche modo (ad esempio, attraverso l'uso di materiali, tecniche, concetti o livelli di significato originali)?

Permanenza — L'arte si distingue dalla vita quotidiana e dalle altre forme d'arte per rimanere nella tua immaginazione (ad esempio, offrendo qualcosa che puoi portare via e conservare per sempre)?

Che significa per te?

Utilizzando questo quadro, possiamo capire perché l'arte storica continui a essere rilevante e apprezzata oggi. Ma allo stesso tempo, queste domande tagliano fuori le sciocchezze del mondo dell'arte contemporanea, rivelando perché pochissime opere saranno ricordate per più di un'ora dopo la mostra, figuriamoci per cento anni.

Come artisti, possiamo usare questo quadro per guidare il nostro processo creativo e sapere quando abbiamo creato qualcosa di valore attraverso la condivisione. Questo è importante perché non tutti gli esperimenti devono necessariamente finire in una mostra. Dobbiamo essere costruttivamente critici nei confronti del nostro lavoro e lasciare spazio al fallimento senza timore, così da poter crescere. E dobbiamo essere selettivi su ciò che condividiamo, in quale contesto (ad esempio, con gli amici rispetto alla comunità più ampia), perché l'attenzione e il tempo delle persone devono essere rispettati. E il valore dell'arte non dovrebbe essere sminuito inquinando il mondo con opere di bassa qualità o poco elaborate.

Come curatori, questo quadro dovrebbe aiutarvi a selezionare artisti che avranno un impatto duraturo, basandovi sull'arte stessa, non sul clamore creato attorno al loro nome, al loro curriculum o alla narrativa che hanno costruito.  Quando la qualità dell'arte rimane al centro dell'attenzione, la mostra avrà molto più successo perché l'arte catturerà l'attenzione, inviterà alla collaborazione, sarà accessibile a tutti e rimarrà un ricordo indelebile.

Come collezionista d'arte, questo quadro ti aiuterà a capire dove si trova il vero valore a lungo termine. L'arte dovrebbe essere acquistata perché ti piace l'arte in sé, perché vuoi essere circondato da un'arte che ti stimoli e ti ispiri quotidianamente. Se collezioni solo come investimento, basandoti sull'entusiasmo del "mercato", rischi di essere truffato da operatori di mercato d'élite e da una cultura in continua evoluzione. E che senso ha avere tutti quei soldi da spendere se non ti piace ciò che hai comprato? La più grande illusione è acquistare l'arte che ami, solo perché la ami, a prescindere o anche perché non ha ancora alcun "valore di mercato" attuale. Arte nella sua forma pura, non adulterata e non capitalizzata.